Gaizka's Music!!!

Aunque pueda resultar paradójico, uno de los discos más sólidos de 2008 parece recién salido de los 70. Lo que tras una precipitada toma de contacto pudiera pasar por otro de esos empachos psicodélicos que no convencen ni al nostálgico ni, por supuesto, al moderno, acaba por convertirse en un disco con mucha miga. In The Future toma como punto de partida el no siempre bien considerado prog-rock pero no redunda en el revisionismo mimético ni cae en el vacuo onanismo sinfónico, más bien busca abrir nuevas vías de experimentación a la vez que reivindica el rock con respaldo histórico en los tiempos del todo vale. En ese sentido, la portada del disco resulta enormemente elocuente; en primer plano vemos un mosaico de colores cálidos que nos trae a la memoria los desvaríos progresivos de King Crimson o Yes y, de fondo, un desolado paisaje marciano que recuerda de inmediato al de Houses Of The Holy (73) de Led Zeppelín . Y un poco (un mucho) de eso encontramos aquí; tanto teclados expansivos

Este es el disco posterior al grandioso “Pork Soda” , el cual les hizo ser mas o menos famosillos en el mundo freaky de la epoca gracias a canciones tan delirantes como “Mr. Krinkle” o “Hamburguer Train” (solo apta para mentes tortuosas) y siendo objetivos, no llega al nivel de su predecesor pero se le acerca bastante… Sigue la obsesión por la comida en este disco ( ”Glass sandwich” , “Professor nutbutter” …) pero parecen haber querido hacer un sonido algo mas accesible (solo algo más) que en otros trabajos anteriores. El disco empieza fuerte con “Professor nutbutter house of threats” , una canción de casi 7 minutos con un ritmo trepidante y con la ametralladora al bajo que es el gran Les Claypool (el cerebro de este hombre daría para arduos estudios antropológicos porque es imposible que a alguien se le pueda ir tanto la castaña), todo aderezado por los signos marca de la casa del grupo. “Mrs Baileen” es la siguiente canción, algo mas reposada pero en la que se pone de manifiest

“Gentlemen” fué el tercer disco de The Afghan Whigs , el primero para una multinacional, el más vendido, y curiosamente el mejor de todos. La pasión de Greg Dulli por el soul, el sonido grunge de Sub Pop , y las consecuencias de la ruptura de su larga relación amorosa, le motivaron para inundar de emociones sus “expresivas” letras. Lonely? Maybe Or maybe not It all depends Your ideal, your image Your definition of a friend If what you’re shoveling is company Then I’d rather be alone Resentment always goes much further than it was supposed to go El disco es demoledor de principio a fin. Empezar con una canción tan bella como “If I were going” , danzar sin aliento con “Gentlemen” o “Debonair” , codearte con esa pócima mágica de piano y guitarras que es “Fountain and Fairfax” , estremecerte con una de las mejores canciones de la década como “My Curse” y terminar con ese extenso, pero hermoso instrumental titulado “Brother Woodrow” . Toda esta amalgama supone para el oyente una exper

“Estás gritando, maldiciendo, enfadada, haciéndome daño, y luego sonriendo, y llorando, pidiéndome perdón” . El horror que supone sufrir un cáncer para el enfermo y sus seres queridos es retratado hasta el más mínimo detalle en ‘Hospice’ , el primer disco de The Antlers , una banda de Brooklyn que autoeditó este álbum en marzo. Peter Silberman rompió con su novia, se mudó de Manhattan a Brooklyn para evitarla y estuvo un año y medio deprimido sin salir de casa. Durante este tiempo se dedicó a grabar, allí mismo, un disco inspirado en un chico (él mismo, claro) que ve morir a una niña de cáncer de huesos en el Memorial Sloan-Kettering Cancer Center de Nueva York. Las referencias a la enfermedad en las letras, son explícitas, desde los tubos insertados en los brazos a “lo asonante de los indicadores de morfina” , pasando por una repetida mención al fémur y rozando a menudo lo macabro: “Sylvia, saca tu cabeza del horno. Vuelve otra vez a gritarme y a maldecir todo. Recuérdame otra vez

El primer trabajo de la Allman Brothers Band sin la presencia de su guitarrista líder D uane Allman fue este admirable trabajo de bucólica portada y comunero espíritu, empapado de buen blues-rock y country-rock y destacado por la preeminencia guitarrera de Dickey Betts y el trabajo en los teclados de Chuck Leavell , futuro colaborador de los Rolling Stones . Es el propio Betts el que destaca en la tarea compositiva, elaborando las canciones más importantes del disco, las excelentes "Ramblin' man" , "Southbound" (blues-rock con toques soul y voz de Gregg Allman ) o "Pony Boy" (en la que Dickey interpreta el dobro). Su tema más recordado es la instrumental "Jessica" , una pieza dotada de una mesmérica, atmosférica y elegante interactuación entre guitarra y piano, que erige a Betts y a Leavell como los dos segmentos básicos de este notable disco. Gregg , aunque menos inspirado que su colega en la escritura, presenta cortes de gran calidad

El cantante de los Strokes , que ya había hecho un disco en solitario anteriormente llamado ‘Is This It?' (todas las letras y la música eran suyas), publica ahora este raro, rarísimo ‘ Phrazes For The Young’ , que probablemente nadie podrá decir si le gusta o no, ni siquiera sus compañeros en el grupo o él mismo. ‘Phrazes For The Young’ es como una de esas obras de arte vanguardista que un día te parece una obra maestra y al día siguiente una mierda, hasta el punto de que se te ocurrirá que Julian Casablancas ha hecho esto solamente para aturdir a sus fans y para que los periodistas escribamos tonterías sobre su música. ¿No se hizo la música electrónica para bailar o para invitar al recogimiento? ¿Para qué la usa Julian ? ¿De verdad ha sampleado a New Order o ha tomado melodías de la Human League ? ¿Y si no, con qué intención lo parece en su single ‘11th Dimension’ , que es… un llenapistas o un vacíapistas? El disco, que aunque no lo parezca está co-producido por Mike Mogis ,

Probablemente la alineación más memorable de la banda británica Yes es la integrada por Jon Anderson , Bill Bruford , Steve Howe , Rick Wakeman y Chris Squire ; y su obra maestra, "Close to the Edge". Considerada por muchos como una de las mejores expresiones del prog-sinfónico, en realidad no hay garantía alguna de que te enamores de este álbum. Quizá la voz de Anderson sea demasiado aguda para tu gusto, o quizá las letras sean muy "cósmicas" y con poco sentido literal (en realidad están inspiradas en el libro "Siddartha" de Herman Hesse ), pero muchos reconocemos que se trata de una obra impresionante, dueña de un majestuoso sonido sinfónico que combina la sensibilidad del Rock con la virtuosidad del Progresivo. Al mismo tiempo, es uno de los primer

El glam-rock fue un movimiento de muchísima popularidad y éxito surgido en Gran Bretaña en la primera mitad de los 70, que tuvo su origen en el genio Marc Bolan y su formación T. Rex , al que se unieron artistas de gran relevancia como David Bowie , The Sweet , Slade o Gary Glitter . En el apartado estético se caracterizaba por unas llamativas y estrafalarias vestimentas y maquillajes y musicalmente combinaba en un cóctel explosivo la agresividad del primer rock 'n' roll con el desenfado y frescura del mejor pop representado en unos contagiosos estribillos. "Electric Warrior" constituye, posiblemente, el primer ejemplo significativo de esta corriente musical. Pero la música de Marc Bolan es de una riqueza e innovación tan grandes que va más allá de una simple etiqueta. Insólitas y muy particulares letras para unos temas de imaginativas y novedosas texturas sónicas halladas en piezas de primer orden como "Mambo Sun" , "Cosmic Dancer" , el númer

Connor Oberst , M.Ward , Jim James de My Morning Jacket y Mike Mogis , productor de Bright Eyes , se han unido en una banda que resulta natural comparar con Crosby, Stills, Nash & Young. Comenzaron a tocar juntos de manera esporádica, en directo, durante 2004 y decidieron llamarse Monsters Of Folk . Con este nombre, tiene gracia que su primer disco, que como veis cuenta con una portada muy ‘Revolver’ , se abra con una caja de ritmos, una de las pocas que aparecerá a lo largo de todo el álbum. ‘Whole Lotta Losing’ también suena medio new-wave, con un ritmo parecido a ‘ 12.51 ’ de los Strokes , pero lo que predomina en el disco ya os podéis imaginar qué es: las baladas y medios tiempos a la americana, con un acercamiento sobre todo al sonido de Bright Eyes , quizá porque es Mike Mogis quien se ha encargado de la producción. Los tres cantantes, mientras, se reparten la parte vocal, bien con canciones casi en solitario o bien mediante coros que, a veces en compañía de ayuda feme

Wild Beasts podrían pasar como una banda más de la escena indie británica. Claro que, mientras compañeros de generación entregan discos cada vez más infumables, ellos han sacado un brillantísimo segundo álbum, que consolida los hallazgos de su debut, Limbo, Panto (y todo ello en sólo un año). Su propuesta parte del britpop (muchas de las melodías podrían formar parte de canciones de Franz Ferdinand o Kaiser Chiefs ), pero lo aderezan con toques de revival post-punk , electrónica y un marcado pulso tropicalista, de aires caribeños y africanos, que les pueden emparentar con grupos como Vampire Weekend . Todo ello construye un sonido propio, poco habitual, y que construyen un sólido álbum de art-rock. Las canciones de Two Dancers consiguen que, sin renunciar al lado más pop y accesible de la música, texturas y sonidos complejos y muy trabajados. La instrumentación es muy rica y variada; y dota a cada canción de un matiz especial, de detalles que se van desplegando en las sucesivas

Salvo honrosas excepciones, cuando el vocalista de un exitoso grupo decide publicar disco al margen de su banda madre, el atrevimiento suele resultar algo deslucido implicando el paso del tiempo un inevitable y genérico olvido por parte del público. Le pasó en su día a Tim Burgess de The Charlatans, Rivers Cuomo de Weezer, Tim Booth de James e incluso Dave Gahan o Martin L. Gore de Depeche Mode entre otros, a pesar de que sus trabajos en solitario contaban con indudables focos de interés. Ahora es Paul Banks, guitarrista y cantante de los afamados Interpol , quien bajo el pseudónimo de Julian Plenti prueba fortuna publicando su debut independientemente de la formación. El músico coge aire a lo largo de once cortes, despachándose la presión inherente a la banda neoyorquina, bien al considerar que las composiciones no encajarían en el ámbito del grupo o quizá simplemente cumpliendo el deseo de mostrar retales de aquí y allá bajo su propia autoría. Porque el compacto incluye canciones que

En apenas cuatro años, Arctic Monkeys han pasado de ser la banda más prometedora de su generación, a una de las realidades más sólidas. Parece que ha pasado una eternidad cuando hablábamos de Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not y desde entonces, ellos han estado publicando un disco por año, incluyendo la aventura paralela The Last Shadow Puppets con la que su líder Alex Turner, nos cautivó la pasada temporada. Ahora es el turno de regresar a la actualidad, y mientras muchos esperaban una vuelta a las canciones instantáneas, al rock efervescente y juvenil tan característico del cuarteto de Sheffield, se han encontrado ante algo diferente. No estamos ante un disco con aires sixties influenciado por el sonido de Last Shadow Puppets como se podría sospechar, ni ante un giro hacia las guitarras más afiladas, a pesar de haber sido producido por Josh Homme (Queens Of The Stone Age) . Humbug es un sofisticado, oscuro y ecléctico artefacto, que lejos de ser continuista, ahonda en

Ya es imposible recuperar a los islandeses múm que hace años rindiesen culto a Aphex Twin con sus primeras grabaciones, en las que la electrónica apostaba por el estilo Ambient y el Downtempo era un género digno de museo al escuchar Yesterday Was Dramatic - Today Is OK (2000, TMT ), uno de los LPs de la electrónica del norte de Europa más importantes de la historia. No, no habrá más segundas partes de su debut. Lo llevan anticipando demasiado tiempo y ahora con Sing Along To Songs You Don’t Know (2009, Morr Music) el salto es definitivo. De aquel dúo formado por Gunnar Örn Tynes y Örvar Póreyjarson Smárason pasamos a una formación que se va ampliando, que recibe colaboraciones de otros músicos, que en directo tira de cuerda y de viento y a la que le gusta el pop. La trayectoria y el sonido que habían ido facturando en sus últimos álbumes anticipaban este cambio pero para quienes pensaban aún en múm

Si el último disco de estudio de Tortoise hizo la función de refundir, con el añadido que aporta la experiencia, el sonido desplegado en diez años de carrera, ahora vuelven a mirar atrás para rescatar, de la forma más clara y coherente posible, lo que ha quedado desperdigado por el camino. A Lazarus Taxon , lujosa caja de tres cds y un dvd, magníficamente ilustrada y comentada al detalle, aglutina en su seno rarezas, caras b, canciones para recopilatorios, singles de giras y remezclas varias, focalizando la atención en los primeros años de la banda (1994-1998), a la postre los más sustanciosos. Cabecillas de lo que se llamó post-rock, este trabajo desvela las abismales diferencias entre Tortoise y el resto de bandas con las que se les hermanó en su momento ( Mogwai , Stereolab… ). El combo de multiinstrumentistas de Chicago disparaba sus dardos musicales en muchas más direcciones, después de absorber la pulsión del krautrock de los setenta ( Can , Neu! ...), entrar por la cabeza de ag

A pesar de que el matrimonio de Mark Lanegan con Rich Machin e Ian Glover debemos situarlo en aquel “It’s Not How For You, It’s The Way You Land” , la apuesta continúa manteniéndose firme en este sobrecogedor “Broken” que nos ocupa, que tanto puede rozar momentos de insultante brillantez como “Unbalanced Pieces” , con la ayuda de Mike Patton ( Faith No More , Fantomas , Tomahawk ), como llegar a cuotas de sobrecogedora redención en esa versión que el propio Lanegan , con su característico poderío vocal cargado de blues por los cuatro costados, se marca magistralmente del “You Will Miss Me When I Burn” de Will Oldham . Obviamente, ni Richard Hawley en la delicada “Pharaohs Chariot” ni Gibby Haynes ( Butthole Surfers ) en ese flamante primer single cargado de esputos guitarreros que supone “Death Bells” han pretendido perderse la ocasión de dejar su granito de arena vocal en esta reafirmación de clase y sabiduría musical que supone el último proyecto de los británicos. Por si

En la última década la escena independiente de Canadá nos está deparando sorpresa tras sorpresa. Dentro de ella, en Montreal andan pululando algunas de las más inquietas. Como era lógico varias de las más interesantes han caído en CoOperative Music, que aquí distribuye Nuevos Medios y cuyo ritmo de publicaciones es frenético. El quinteto francófono Malajube despuntó hace tres temporadas con “Trompe-L’Oeil” , su segundo disco. Este “Labyrinthes” (City Slang / CoOperative Music) les tiene que llevar un paso más adelante todavía. Ya la apertura con “Ursuline” está plagada de riqueza musical, coloristas arreglos y destellos de psicodelia que remiten a bandas ya clásicas como The Soundtrack Of Our Lives , The Flaming Lips , Mercury Rev o, cómo no, a sus paisanos de Arcade Fire , con quienes empezaron prácticamente a la vez. “Porté disparu” suena mucho más alegre y risueña, mientras “Casablanca” suena internacional y abierta como dicha ciudad. Una gran exuberancia de sonidos en la que

Cálido y enérgico en la producción, calibradamente vintage , el meditadísimo y pluscuamperfecto pop del one man band californiano, tiene todos los elementos que lo componen tan minuciosamente dispuestos en su sitio, que tras la deslumbrante primera impresión surgen las dudas. La perfecta clonación en probetas del mejor pop de finales de los sesenta-primeros setenta que Swift lleva a cabo en su laboratorio, acaba incluso por poner en duda la autenticidad de las baladas, que más parecen ejercicios estéticos que sentidas muestras de estados de ánimo. Ahora bien, ¿se puede considerar punible la búsqueda del Santo Grial del pop, de la alquimia melódica perfecta? Es más, sólo por rozarla con la yema de sus dedos deberíamos aplaudir este “pacto con el diablo”. Composiciones como la instantánea “The Atlantic Ocean” o la redonda “The End of a Age”, hacen que hinque mis rodillas ante este maestro del falsete y gran profesional de la canción que es Mr. Swift .

Hace ahora justo un año que Jarvis Cocker y Steve Albini se conocieron, charlaron y decidieron probar a hacer alguna cosilla juntos. El resultado ya lo tenemos en nuestras manos, se llama Further Complications ( Rough Trade/Popstock, 2009) y es un disco realmente sorprendente, incluso para alguien como el ex líder de Pulp . Si su debut en solitario, Jarvis (2006), estaba marcado (sobre todo las letras) por su matrimonio, su traslado a París y su tranquila vida a orillas del Sena, su madurez y su paternidad, en esta ocasión nos asomamos a la otra cara de la moneda, al lado salvaje de la mediana edad. No quiero extenderme mucho en la crónica rosa, pero es difícil disociar el estilo, la temática y las letras de este Further Complications del reciente divorcio de su autor. Y es que su escucha, prestando atención a las letras, deviene en una especie de viaje alucinante al fondo de la mente de un hombre que está pasando la crisis de los 40, que mira hacia delante con vértigo, que se asust

Karin Dreijer Andersson canta en ‘ Triangle Walks ’ “ I need a rest / lay down for a while / disconnect ”. Lo que define un episodio más de una vida diaria contemplado desde un punto de vista crítico y con una perspectiva oscura, puede resumir la aventura en solitario de la mitad de The Knife . El house más experimental que había facturado hasta ahora en dicho proyecto, junto a su hermano Olof Dreijer , ha pasado a descansar durante un periodo de tiempo de tres años en el que ambos componentes han decidido elaborar otras propuestas menos convencionales y probar con facetas casi opuestas a lo que habían hecho (Olof, incluso, tiene entre manos una ópera). Es entonces cuando aparece el debut en solitario de la sueca, bajo el sello Rabid Records . Un álbum que para mí es uno de los mejores de este 2009, una joya oscura, pausada, que se disuelve en cada escucha dejando la agonía de un día a día de alguien que afronta el reto de ser madre, con sus nuevos peculiaridades (‘ Concrete Wal

Fue el cuarto álbum de la banda punk británica The Clash y a la vez el más experimental de todos. El disco fue emitido en 1980 como un álbum triple con 36 temas, 6 de ellos en cada lado. El álbum fue grabado durante 1980 en Londres, Manchester, Jamaica y Nueva York y fue producido por la propia banda, en esencia por Joe Strummer y Mick Jones . Las versiones dub de algunas canciones fueron realizadas por Mikey Dread , quien ya había colaborado con la banda en su sencillo "Bankrobber" de 1980. En Sandinista! por primera vez los créditos tradicionales atribuidos por la banda a la composición ( Strummer / Jones ) fueron reemplazados por The Clash . Este fue también el único álbum de la banda en el cual los cuatro miembros cantaron algún tema. Sandinista! fue ubicado #404 en la lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. El título Sandinista! proviene de una organización guerrillera izquierdista de Nicaragua, el Frente Sandinista de Liberación Nac

El cuarto disco de estudio de Gossip explota la veta del predecesor Standing In The Way Of Control . Es decir, de nuevo nos encontramos con ese híbrido de soul, funk y post-punk que pretende golpear y hacer bailar a partes iguales. Como unos Blondie pasados por el filtro del Nueva York pos 11-S, Gossip suenan sexys, desafiantes y con mucha actitud. Pero en esta ocasión no alcanza las cotas de excelencia a la que nos tenían acostumbrados, diluyéndose su poder por el camino. Con una portada que transmite abiertamente el lesbianismo militante de la banda, Music For Men tiene su mayor baza en el single Heavy Cross , una ración de guitarras nerviosas con filiación directa con el hit Standing In The Way Of Control . Con una pizca de electrónica mayor de lo habitual también destaca Pop Goes The World o esa decidida apuesta por la electricidad guitarrera inserta en 8th Wonder . Pero, en general, lo que transmite este álbum es la sensación de que no se llegó a accionar el detonador de la bomb

No es fácil dejarse llevar por la cadencia campestre de la música de Laura Groves . Esta joven de Bradford, fan de Joni Mitchell y Kate Bush , hace miniaturas folk que, si bien en los primeros acercamientos pueden resultar anodinas, poco a poco embelesan por la delicadeza de sus arreglos, levantando modestas pero bellas gemas de pop, que la hermanan con solistas norteamericanas como Maria Taylor . Empieza fuerte su carrera: acaba de editar su debut con el poderoso sello XL y está recibiendo críticas muy favorables.

Natasha Khan , propietaria intelectual del proyecto Bat for Lashes , fue aupada a los altares de la música independiente británica hace tres años con la aparición de sus primeras referencias discográficas, el single "The Wizard" y el álbum Fur and Gold . Ahora, después de estar nominada en las categorías más importantes de los premios musicales anglosajones, presenta su segundo álbum, Two Suns . Las once canciones de su repertorio han sido escritas y grabadas en diferentes partes del mundo, desde los acantilados de Big Sur y el desierto de Joshua Tree en California, pasando por los campos de Gales, sin olvidar las calles de ciudades como Londres y Nueva York. Todos estos escenarios convergen en un disco hipnótico, siguiendo la línea trazada en la misteriosa “What's a Girl to Do” , cargado de matices ambientales y, como es habitual en Bat for Lashes , construido alrededor de la versatilidad vocal de Natasha

Si te emocionó "Too young", saltaste con ella, viste a Bill Murray en Lost in Tranlation escucharla y te preguntaste '¿joder, de quién esta canción?' te gustará Wolfgang Amadeus Phoenix (V2 Records/Loyauté, 2009), de Phoenix. El calor del verano y el sol alegran el alma, y las canciones de la última obra de lo franceses también lo hacen. La mayoría entran a la primera, sin tener que pagar peajes ni pasar un tiempo previo de adaptación, ni tampoco pensar demasiado en ese giro o ese cambio de ritmo. Phoenix saben lo que hacen y cuando lo hacen. Todo concuerda. Todo suena bien. Todo cuadra. Música animada, joven, animada, que atrapa. Las buenas vibraciones empiezan con "Lisztomania". Su trepidante sonido recuerdan a la ya nombrada "Too young", a sus frescas guitarras, animados redobles de batería y un bajo que llena el fondo de la canción. Inevitable llevar el ritmo con los pies o mover rítmicamente la cabeza de arriba hacia abajo. Eso es solo el comi

Gran disco de pop-rock el que se han marcado The Broken Family Band . En él, el quinto de este cuarteto británico, se muestran como una banda sin tapujos y, ante todo, que sabe firmar e interpretar buenas canciones que dejan un inmejorable sabor de boca, tanto por separado como en su conjunto. Sólo por la muy Frank Black 'St. Albans' , este 'Please and Thank You' ya merece figurar como algo más que buen disco de temporada. Es darle al play y a uno se le pasan enseguida temas como la gran intro que es 'Please Yourself' o la no menos meritoria 'Salivating' , a las que enseguida deseará volver una y otra vez. Sentido del humor, grandes guitarras y letras entretenidas son algunas de sus principales bazas, pero lo mejor son las canciones por sí mismas. En 'Cinema vs House' entregan lo que muchos esperaban de lo nuevo de Bishop Allen ; en 'Borrowed Time' recuerdan que Snow Patrol alguna vez -sí, hace mucho- fueron buenos; en 'Stay Fr

La perfección de las canciones pop clásicas comenzó a mediados de los 80, concretamente en 1985. Marc Pearlman (bajo) y Mark Olson (guitarra, voz) fundan un proyecto orientado a buscar nuevas vías de expresión en las raíces Rock americanas, tras no encontrarlas en bandas de otro pelaje. Olson militó activamente en Stagger Lee, combo obviamente de carácter rocker, y Pearlman hacía lo propio con grupos locales, como Neglecters. Gary Louris (guitarra, voz), parroquiano de la escena de Minneapolis entra en contacto con ellos y The Jayhawks empiezan a levantar vuelo. La formación se completa con el también local baterista Norm Rodgers . El cenit de sus creaciones llega con el disco que nos ocupa, una alegoría a favor del gusto y la sobriedad de fabricar canciones pop con clara influencia Rock y folkie en sus estados más clásicos. Pero antes estarían "The Jayhawks" (Bunkhouse, 1986), el recién reeditado "Blue Earth" (Twin Tone, 1989) y, sobre todo, el avis

La fuerza y consistencia de los hits de With Love and Squalor explican a la perfección las razones por las cuales el NME ha hecho sitio a tres newyorkinos con pinta de empollones entre la primera línea de la generación del steelpop ( Arctic Monkeys , Futureheads , The Long Blondes …). Sin embargo, olvidando el evidente efectismo de sus singles, el debut de We Are Scientists , demasiado uniforme y lineal, no era un disco exento de debilidades y podía generar cierto tufo a hype. Quizás para evitar estos fantasmas y de paso ofrecer un magnífico regalo para sus fans, el trío de Brooklyn ha decidido hacer una pausa para recopilar caras b, versiones inéditas y rarezas grabadas durante la composición de su álbum de debut, y publicarlas junto a un DVD en el cual recogen todos los vídeos que han editado hasta la fecha, un concierto y varios cortes autocomplacientes en los que queda claro su elevado sentido del humor. A lo largo de Crap Attack comprobamos que We Are Scientists son capaces de

Parece que es hora de terminar con el encasillamiento, la falta de ideas y frescura de la que adolecía el pop en el último lustro. El relevo generacional al fin está causando efecto en la música popular y si bien hay pocos grupos que tienen un sonido propio y nos vemos rodeados de multitud de bandas en cuadradas en varios estilos que beben del rock americano de los 70, el afterpunk etc., al menos propuestas como las de los británicos Bloc Party, Kasabian, The Futureheads ,… los canadienses Hot Hot Heat o los norteamericanos The Killers o The Bravery , nos alegran la vida. Si hace unos años nos sorprendía la frescura de Franz Ferdinand y su capacidad para acercarse de igual forma al rock que a las pistas de baile, esta temporada bailaremos al son de The Bravery . Y es que su propuesta a medio camino entre las bandas de la new wave británica de los primeros 80 y el post punk, ha dado como resultado un artefacto sonoro de apenas media hora de duración pero dotado de estribillos rompedores

Más de tres años y un cambio en la formación original, han sido necesarios para poder escuchar nuevo material del trío encabezado por Brian Molko . Tras el conflictivo final de su última gira, Steve Hewitt ha sido reemplazado en la batería por el joven Steve Forrest, que firma así su primer álbum con el grupo, acompañando al bajista Stefan Olsdan y al andrógino cantante. A pesar de la larga temporada en silencio, esperar a estas alturas extraordinarios giros de ciento ochenta grados en el sonido Placebo es absurdo. Entre otras cosas porque ni falta que hace. Los británicos son desde sus inicios una banda de marcada personalidad y estilo diferenciador -en buena parte gracias a la voz de Molko -, lo que ha hecho que seguidores y detractores se dividan en partes iguales, dejando a los impasibles en minoría. Y este sexto elepé en la carrera de los londinenses no va a cambiar nada. Los censuradores encontrarán en los argumentos de siempre sus dardos para continuar vilipendiándolos, mientr

Existen pocas palabras en el diccionario que puedan definir la música de Explosions in the sky , su música es demasiado imprecisa. Se puede concretar que son instrumentales, que todo gira entorno a elaboradas melodías de guitarra, pero sin ninguna pretensión de virtuosismo, casi al contrario, se busca la sencillez. Si existe una palabra cercana a su música esa es melancolía. Porque cada nota que sale de los instrumentos de estos cuatro chicos de Texas es una evocación a la emoción: recuerdos, paisajes y ese tipo de cosas que aún sonando tan cursis son de las que muchas veces nos alimentamos para vivir. Earth is not a cold place , oficialmente su segundo trabajo (despegaron con una maqueta de la que sólo existen trescientas copias), es un ejercicio de honestidad. Han simplificado aún más los abalorios que tanto contaminan a los grupos instrumentales y han conseguido una personalidad propia que les aleja completamente de las viejas y dolorosas comparaciones como aprendices de Godspeed Yo

El señor Sufjan Stevens ha tenido tiempo para todo desde que en el año 2000, sacara su disco de debut A Sun Came (Orchard). Desde el folk de cuento de hadas que retrataban los temas en este primer trabajo, hasta la electrónica vanguardista de Enjoy Your Rabitt (Asthmatic, 2001). Así pues, en este 2005 nos ofrece Illinoise (Asthmatic Kitty, 2005), fruto de su grandísima imaginación y poder de composición, y su segundo homenaje a un estado norteamericano tras el dedicado a Michigan en Greetings from Michigan, the Great Lakes state (Asthmatic kitty, 2003). Veintidós canciones con el elemento común de la ofrenda, pero cada una con su propia vida y una gran base instrumental: violín, trompeta, piano, banjo y guitarra acústica, todo ello asentado, en ocasiones, sobre unos coros que aun le confieren un sonido más homogéneo. Concerning the UFO sighting near Highland, Illinois es la obertura del disco, y el trío formado por ésta, el interludio de cuento de The black hawk war, or, how to d

Conor Oberst tan solo tiene 29 años, pero tiene ya sobre sus espaldas una carrera musical ciertamente dilatada, empezó tocando, con tan solo 13 años en una banda llamada Commander Venus que llegó a publicar dos discos y continuó con otros proyectos hasta que ya como Bright Eyes encontró la mejor forma de canalizar su música y sus emociones. Bright Eyes nunca ha sido un grupo como tal, en realidad es el proyecto personal de Oberst , que cuenta para sus grabaciones y actuaciones con colaboraciones puntuales de músicos de diversas procedencias, con esta forma de trabajar Bright Eyes han publicado ya, desde 1998, seis discos, un balance ciertamente nada habitual en nuestros días. El sonido de Bright Eyes se acerca bastante al de las primeras grabaciones de Bob Dylan , con quien frecuentemente es comparado Oberst , sobre todo en la forma tosca, rudimentaria y casi improvisada de grabar e interpretar, Oberst maneja sus canciones a menudo de una forma bastante elemental, haciéndose acom

Jason Lytle ha vuelto. Yours Truly, The Commuter marca el regreso en solitario del que fuera líder de Grandaddy . Son palabras mayores: puede que su grupo no esté considerado como uno de los fundamentales de finales de los 90 y principios del nuevo milenio, pero a mí me ha cautivado desde siempre. Creo que los de Modesto tienen, al menos, dos discos imprescindibles: The Sophtware Slump y Under The Western Freeway , dos muestras de un universo en el que Pavement , Pixies , Alan Parsons y Mercury Rev podían darse la mano en forma de canciones emocionantes y personales.

Vetiver son una banda que nos ha enamorado a todos, incluyendo al dios de Cincinnati Greg Dulli que versionó magníficamente “Belles” en el excelso Adorata (08). Y tras saborear Tight Knit (09), nuevo trabajo del combo capitaneado por el talentoso Andy Cabic, no cabe más que señalarlo de nuevo acierto, a ver si nuestro querido místico Devendra toma nota. Una primera apreciación a la ligera, da la falsa idea de estar ante un disco demasiado liviano y sin fuste aparente tras la tripleta culminada con la deliciosa colección de versiones Thing of the Past (08). Podría catalogarse, de entrada, como el hilo musical agradable para poner de fondo ante una visita pelma a casa. Y esa sensación de flojera, reitero, mal entendida si nos dejamos llevar por la urgencia, es debida a un acercamiento a las sedosas formas pop sesenteras en detrimento de las formas más elaboradas de To Find Me Gone (06). Pero, ni mucho menos, su folk relajado e hipodérmico brilla, bien cuando sacan la chistera y con