Gaizka's Music!!!

Una orquesta sinfónica y una banda de metal, heavy, trash o lo que sea. Ése es el apetitoso mejunge que ha lanzó Metallica en "S&M" , un disco que sobrepasa la línea de lo convencional y se acerca a la experimentación, en un arriesgado intento de conjugar dos estilos musicales distantes, opuestos y extremos. El disco sabe bien. Es directo y eso, en una banda como Metallica , se aprecia y se agradece. Sin embargo, queda un sabor agridulce al escuchar este "greatest hits", y la razón no es otra que el cierto desaprovechamiento que se hace de la orquesta sinfónica. Creo que ha habido interesantes discos en directo de la banda que lidera Hetfield , y que a éste le podían haber dado un tono más básico, más sencillo, aprovechando así la riquísima y abultada cantidad de matices que uno alcanza cuando trata con una orquesta. No obstante, ése es precisamente también el mérito de Metallica : la fusión del metal, del rock con el clasicismo y pureza de instrumentos sinfónic

Transference , el séptimo larga duración de Spoon , es un álbum que no le sentará nada mal a los fans de la banda de Austin y que, a buen seguro, dada su facilidad de escucha, le acabará gustando al oyente medio que no había logrado engancharse a sus anteriores trabajos. Tres años después de su disco más exitoso hasta la fecha, Ga Ga Ga Ga Ga , los de Texas pulen aún más si cabe su Art rock para ofrecernos un producto muy elaborado, con un ritmo constante y sin más bajones en los once sencillos que lo componen que los irremediables silencios entre canción y canción. Desde “Before Destruction” , el tema que abre al álbum, hasta “Nobody Gets Me But You” , las melodias base de cada corte van fluyendo con la eficacia de un reloj suizo. Hasta aquí todo bonito. Ahora bien, Transference no es, ni de lejos, cualquiera de sus dos anteriores álbumes. Simplemente, y pese a ser un producto bastante digno, que intenta resaltar la versión más rockera de Spoon , el disco no está a la

La banda de California rompe en este disco con cualquier rastro de sonido “nu metal” y se reinventan y reciclan asi mismos como artistas de musica de electrónica. El resultado es desde luego rompedor y alejado del sonido anterior de la banda. Quizas los fans de toda la anterior producción de esta banda se sientan algo decepcionados, pero merece la pena comprobar como esta gente se dedica a evolucionar y probar nuevas posiblidades artisticas. Discutible, pero rompedor y merece la pena escucharlo. Para que os hagais una idea de lo que se os viene, el producto fué definido por Mike Shinoda , el vocalista y uno de los miembros con más peso en el proyecto, como “ comparable a ‘Minutes to Midnight’ pero con un ‘hilo de coherencia’ “, tambien añadió que “ es un poco más experimental ” así como “ esperamos que sea más vanguardista “, por si fuera poco tambien definió el album como “ conceptual con diversos sonidos ” y que “ las 15 canciones son diferentes una de cada una “. Por si quedaba a

Vamos a intentar dejar los tópicos a un lado; como por ejemplo que el tercer disco de una banda es el que tiene que confirmar las expectativas. La banda canadiense Arcade Fire lleva rompiendo tópicos desde que debutara con el incomparable Funeral (2004) , disco que nos dejó temblando; tres años más tarde regresaron con Neon Bible , bastante más oscuro y cargado que el primero, pero igualmente tremendo. Ahora, otros tres años más tarde, regresan con este The Suburbs , su trabajo más diverso y completo. Un tanto más largo que los anteriores, la preciosa voz de Win Butler y Régine Chasagne se extiende durante 16 canciones en las que pasan de su versión más folk ( “Wasted hours” ), pasando por etapas bastante oscuras ( “Rococo” ) o temas más rock ( “Month of May” ). Mención especial merecen los temas que, personalmente, más me han llegado, como “Deep Blue” , o el dúo “Sprawl I” y “Sprawl II” , en el que parece que ambos cantantes hablen de sus infancias en los suburbios de una g

A nadie se le escapa que debe ser muy duro hacerse mayor en el basto universo de la cúltura pop, aunque lo sea en mayor medida si nos ceñimos al puro y más duro rock’ n roll. Un estilo que se ha nutrido y se nutre de la exaltación, desenfreno y desmadre propio de los años mozos. Claro, que si lo piensas un poco debe ser incluso más duro , si hace unos cuantos lustros que la banda en la que militabas desapareció, dejando un regero de leyenda tras de si. Porque ¿alguien imagina a un Brian Johnson o incluso a un Steven Tyler sin el amparo de su banda?. ¡Qué difícil pergeñar algo digno a la altura del prestigio que arrastras!. A Robert Plant le ha costado unas cuantas décadas aunar las alabanzas de la crítica de diferente pelaje, incluidos todos aquellos a los que Led Zeppelin no les representa lo que las crónicas más entusiasatas afirman que fue o a los que, en el peor de los casos, sus discos les parecen aterradores. Fue necesario un disco como el muy laureado “Raisin

Prácticamente todo el mundo conoce a Phil Selway por su importante labor como batería de uno de los grupos más relevantes de las últimas décadas: Radiohead . Aún y así “bald member” siempre ha sido un músico muy activo que ha colaborado con 7 Worlds Collide (proyecto de Neil Finn ), Dive Dive y algún que otra propuesta suelta como la conformada en “ Before The Ruin” por R.Woomble , Kris Dever y John McCusker . Con este “Familial” que os presentamos aquí el de Abingdon se ha sacado la espinita de editar un disco en solitario en colaboración con Glen Kotche y Pat Sansone ( Wilco ), Sebastian Steinberg ( Soul Coughing ) y Lisa Germano. Realmente no hay reproche alguno para Selway : “Familial” es un buen álbum debut de folk melancólico que consigue hilar una grata armonización gracias a los delicados punteos de guitarra y la sensibilidad instrumental que caracteriza al disco. Este LP es perfectamente lo que pretende ser: un pasaje sonoro que retiene momentáneamente aque

Se parece a Ethan Hawke , pero no nació en Texas sino en Seattle . Quizá por eso viste camisa de leñador y sus canciones tienen ese punto grunge que parecen tener todos los cantautores salidos de allí (es probable que venga de fábrica). El caso es que Zach Tillman (sí, el apellido os suena, es el hermano del batería de Fleet Foxes , Josh Tillman , que también tiene un proyecto en solitario del mismo corte que el de su hermano, sólo que a dos salidas más tarde de tristeza contenida) acaba de debutar, acompañado de su hermano, el citado Josh , a la batería, con este “Pearly Gate Music” que recuerda, de lejos, al primer “Palace Music” firmado por los hermanos Oldham (Will, Ned y Paul), alt-country de raíz folk, algo así como un chaval que creció escuchando “This Land Is Your Land” y decidió que de mayor quería ser uno de esos tipos que se compadecen hasta de su sombra. Así arranca “Pearly Gate Music” , con la etérea y poética “Golden Funeral” ( “eh, tío, sólo soy un

Ahora que algunos ya estamos añorando el verano, el disco de Avi Buffalo podría ser una manera de rememorarlo por 45 minutos. Melodías pop de amores veraniegos ya perdidos y teenagers despreocupados escuchando vinilos de Simon & Garfunkel y The Beach Boys en tardes soleadas. Este grupo teen (alguno aún va al “insti”) son de California, lo cual se ve de lejos a través de todo el disco. Sub Pop Records , que también lleva entre otros a Beach House , ha confíado en el potencial de estos hiperjovenes músicos, que a pesar de tener una producción exquisita y unos muy buenos arreglos, el disco se me queda un poco cojo. Con What’s in it for? han hecho "un perfect", es el single, y para mí el tema más logrado del LP, a pesar de durar cinco minutacos. Se han currado un precioso y bucólico videoclip todo de coloricos y el tema te lo puedes bajar gratis en su myspace . El otro hit destacable sería One Last , en el que se combinan voces femeninas y masculinas, que dan una

Eric Earley lidera a los Blitzen Trapper , grupo estadounidense de cuidadas melodías, armonías vocales y arreglos. En principio tachados de forma simple como conjunto pop de bases folk rock, su música va mucho más allá con huellas claras de los Beatles en su concepción melódica y en arreglos, además de ecos de Beach Boys , de Neil Young , de Queen , de la psicodelia, del blues rock o del rock progresivo. Este disco se abre con la pieza que le titula, “Destroyer Of The Void” , gran canción en formato suite que nos retrotrae al prog-rock de finales de los 60 y comienzos de los 70, con espectaculares armonías vocales, variantes de tempo, mimo melódico y unos complejos arreglos que cruzan a los Beatles con la ELO , Elton John o los grupos progresivos. Gran apertura. “Laughing Lover” posee un riff de guitarra eléctrica, juegos vocales a lo Beach Boys y cambios melódicos de altura. Coros uuuu-aaaa. Enegía. Piano. Agradable corte pop que recordará a algunos al trío América con rasgos de Q

No, en California no sólo se hace punk pop para musicar películas de adolescentes salidos o torneos de skateboard . Y sí, las largas barbas se están apoderando del pop norteamericano. Ya habían amenazado Fleet Foxes , My Morning Jacket o Devendra Banhart . Ahora le llega el turno a Port O’Brien , la nueva gran banda a lo americana lo-fi que se está consagrando con su tercer disco de estudio, Threadbare . Trece preciosas canciones que saben colocar en su medida justa elementos acústicos, folkies , electricidad y sensibilidad a partes iguales. Lo mismo te sueltan un solo de violín que se encaraman a un crescendo hipnótico más indie que los Strokes . Así son Port O’Brien . ¿Algo que objetarles? Con Threadbare consiguieron lo que era esperable: que sus canciones comiencen a sonar en todos lados. Desde anuncios para pantalones hasta iPods de buscadores de nuevos hypes estadounidenses. Con potenciales hits radiales como My Will is Good o Leap Year , el quinteto californiano consolida

El más reciente fichaje de Rough Trade enlaza, no sé si intencionadamente o no, con la revitalización del Is this it de The Strokes , al aparecer éstos en la cúspide de algunas listas de lo mejor de la década. Sea o no cierto, la banda liderada por Ryan Sambol ha llamado poderosamente la atención en el sello, como hacía tiempo que no lo había hecho ninguna otra formación norteamericana. Lejos de hacer caso a las referencias, siempre exageradas, que se dan en las notas de prensa, sí que hay algunas razones para considerar este segundo disco de los de Austin como una de las buenas muestras de garage rock de este año. El álbum, grabado en apenas dos semanas tras una gira europea que incluía nuestro país, se configura como una sesión que evoca los comienzos del rock (en el tema que da título al trabajo) y que transcurre por una revisión de parte de la discografía de Bob Dylan en los sesenta ( Friday in Paris , Da da ), a lo que coadyuva la similar voz nasal de su cantante, e i

Para mí, que Mr.E sea capaz de sacar dos discos en menos de un año solo es motivo de alegría, ya que vas sobre seguro en que no vas a encontrarte con ninguna gran mierda de las que tanto abundan por estos mundos. Hay quien dice que este es una continuación directa del End Times , publicado en febrero, pero esa conclusión me parece demasiado precipitada, ¿no es más fácil decir que es un paso adelante?. Con una garganta cada vez más cercana a Tom Waits (salvando distancias, incluso en cascamiento), nos enseña hasta sus puntos petardos y continua con su intimismo fatalista y tan agradable musicalmente para los oidos. Por lo pronto, en su interior tenemos ya hits instantáneos, que seguro pasaran a engrosar ese pequeño arsenal de pequeños grandes éxitos de la banda. Looking up , el avance del disco, muy cerca de por ejemplo Gone up , del trabajo anterior podría ser uno de ellos, o la canción elegida como single de presentación y que veo capaz de llegar a los corazoncitos de sus

Aunque la modelo Karen Elson había desplegado con anterioridad su faceta musical en el colectivo neoyorquino The Citizens Band, conviene desvelar sin dilación las inevitables conexiones activas en el primer disco al uso de la británica. The Ghost Who Walks (2010) viene firmado por la mujer de Jack White (líder de The White Stripes, The Racounteurs o The Dead Weather ), encargado aquí de producción, batería y acoger la presente obra en su propio sello. Aclarado el ineludible parentesco, convendría que el oyente relegase tal relación para interpretar sin condicionantes este álbum cabaretero de pinceladas barrocas, aroma añejo a fotografía sepia y más virtudes que defectos. Además de su capacidad como compositora destaca la insinuante pero recia dulzura vocal de la autora, emparejándola con figuras como Cat Power (“A Thief At My Door”, “The Last Laugh”), PJ Harvey (“Mouths To Feed” o la tormentosa “Garden”) o Nico (“Stolen Roses”), sin descuidar el estilo clásico de damas c

The Soft Pack no es un grupo nuevo ni mucho menos, hace ya tiempo que sonaban con un EP que llenó de escuchas su Myspace y en el que se daban a conocer con los temas Nightlife y Bright Side . Y además anteriormente fueron conocidos como The Muslims , grupo con el que en 2009 llegaron a editar un EP de 10 canciones (pedazo de EP), sin embargo, finalmente tuvieron que abandonar ese nombre al ser tachados de racistas y recibir insultos durante los conciertos. Prefiero no pensar de donde cogieron el nuevo nombre . Sin embargo, ha sido ahora cuando han dado el salto cualitativo con el lanzamiento de su primer larga duración The Soft Pack . Han cogido una fórmula que todos sabemos que funciona a la perfección: guitarreo + ritmos pegadizos. Pero el arte está en saber hacerlo bien, en no caer en la repetición y sonar a más de lo mismo, ahí está el mérito de The Soft Pack . Probablemente sea la inmediatez con la que llegan todas sus canciones, lo que está auspiciado por el trepida

Me sorprende, al igual que en el caso de Midlake aunque tal vez por razones distintas, la poca bola que se le ha dado al disco de Broken Bells si se compara a la polvareda que levantó la noticia de una colaboración entre James Mercer de The Shins y el brujo del recorta y pega para blancos Danger Mouse . El motivo, seguramente, es lo predecible de los postulados de dos músicos que buscan más el denominador común que la experiencia aventurera epatante. “Broken Bells” (Columbia 2010) es un simple álbum de pop; más bien un gran álbum de pop. Aunque no cuente con la chispeante efervescencia Shins ni con la sonoridad deslumbrante de Gnarls Barkley , ambos modelos distintos de pop en principio condenados a confrontarse o a copular. En cambio lo que hay es un ejercicio de contención sublime. Ni un paso en falso, ni un desbarre ocasional, todo calculado. Burton ( Mouse ) aplica la parte más condescendiente de su repertorio, la que trabaja un ambiente de medios tiempos con pulsaciones intern

Un extraño y buen descubrimiento para un melómano de la última década (2000-2010) sería el surgimiento de un grupo que, jugando en la liguilla de la electrónica combinada con el rock, no saturase sus grabaciones, producciones o puestas en escena (sin malabarismos tecnológicos) y que además llegasen a levantar al público como lo hacen Holy Fuck en directo. Y si aún así cabe añadir la falta de acercamiento al colectivo animal o al imperante dubstep , ya tenemos algo que descubrir. En la mayoría de locales de ensayo podréis encontrar pedales Boss o una batería y un bajo, pero si le quitamos las guitarras, la voz, y añadimos un electro-noise expulsado a la brava o de forma hipnótica utilizando cualquier tipo de sonido no instrumental, la chispa puede convertirse en llama o quedarse olvidada en el tiempo. Esa chispa, ese sonido de directo es la clave de Holy Fuck , tanto en disco como en directo. Con Latin (Young Turks, 2010) han conseguido una mejor producción que aporta más

El nuevo disco de The Magnetic Fields exige de entrada olvidarse de los logros pasados. Stephen Merrit nunca ha estado por la labor de contentar a nadie y quien espere un nuevo Get Lost (1995) o que repita la jugada de 69 Love Songs (1999) va a salir mal parado. Realism (2010) es una nueva apuesta de Merrit por los discos conceptuales. Tras un disco donde todas las canciones empezaban por la palabra yo I (2004) y otro basado en ponerle feedback hasta a una pandereta, Distortion (2008), Realism (2010) es el disco folk, sin pasar ni un solo instrumento por el enchufe. Realism forma pareja con Distortion , comparten un diseño de portada estupendo que otorga la figura femenina en portada a Realism y la masculina a Distortion . Cuenta Merrit que en principio pensaba haber llamado a uno True y a otro False pero que nunca tuvo muy claro cuál sería era el verdadero y cual el falso. Un díptico que no está entre lo mejor de su abultada carrera, pero como siempre merece toda

Aquellos que despreciaron el talento de Zooey Deschanel como autora, compositora y música cuando se publicó hace dos años ‘Volume One‘ , fruto de la colaboración de la actriz con M. Ward , van a tener que buscarse muy buenos argumentos para justificarse tras la publicación del segundo disco de She & Him , este ‘Volume Two’ . Compuesto en casi su totalidad (con la excepción de dos versiones) por la propia Deschanel , que también canta y toca el piano con algo más que corrección, hay poco donde rascar. Ya no hay duda de que Zooey Deschanel lo tiene. En estas trece grandes canciones, escritas con la vista puesta en el mejor pop de los años 50 y 60 (véase Wilson , Spector , Lennon & McCartney ), la esposa de Ben Gibbard demuestra una loable evolución en su capacidad compositiva y una más convincente (a ratos incluso emocionante) interpretación vocal. Ese es el factor que hace que este nuevo álbum sea levemente mejor que su debut, porque la solvente banda sigue contando con músic

Hace mucho, mucho tiempo, bastante más del que uno desearía, la industria musical se frotaba las manos al calor de una guerra entre bandas. Musicales, queremos decir; nada de ametrallamientos desde coches, pañuelos de colores ni rap portorriqueño. Las bandas en cuestión eran dos fenómenos de masas que prometían devolver la maltrecha música británica al lugar que legítimamente le correspondía (el centro del universo): Blur y Oasis. A la lumbre de Parklife (1993) y Definitely Maybe (1994), los hermanos Gallagher (Oasis) y Damon Albarn (Blur ) protagonizaban una batalla cuasi-campal por arrancar el cetro de Rey del Mundo de la fría mano de Kurt Cobain , que no hacía sino meses que había escapado a la asfixiante presión del éxito haciéndose un hermoso agujero en la cabeza. Quince años más tarde, ha quedado más o menos claro que ni unos ni otros eran para tanto, que The Stone Roses seguramente seguían siendo más grupo que los dos juntos, y que por aquel entonces ya andaban public

Uno de los mejores discos de Neil Young (¿o el mejor?), un hombre con una extensa carrera plagada de obras maestras. Depara un estremecedor recorrido emocional por el alma de un personaje lleno de sensibilidad y dolorido por la muerte de dos de sus mejores amigos, el roadie Bruce Berry y el guitarrista de los Crazy Horse , Danny Whitten , ambos fallecidos a causa de sendas sobredosis. Triste, pesaroso, melancólico o desesperanzado son algunos de los calificativos aplicables a este excepcional trabajo, en el que además de colaborar los restantes Crazy Horse , auxilian en el lamento sonoro del canadiense grandes músicos como Nils Lofgren y Ben Keith . El importe de las drogas y la existencia y angustia vital en once temas de conmovedora, emocionante y desnuda factura vocal e instrumental que edifican una obra maestra incontestable sin desperdicio alguno, que incluye la canción en directo co-escrita con Whitten "Come on Baby, let's go downtown" , el tema de

¿Qué es lo que tienen The Drums ? ¿Qué es lo que encierra este esperado formato largo? Pues básicamente la frescura y la inclinación por un indiepop de ascendencia británica que amalgama a la perfección la mecánica de baterías postpunk y la velocidad insistente de sus guitarras que, junto a los teclados y efectos electrónicos, también arrastran ecos del indiepop más ortodoxo del mismo país y gran parte del bagaje de los proyectos anteriores de los miembros fundadores. El gusto por las transiciones rítmicas y onomatopeyas coreadas que se apegan al doowop y al surf, la tendencia a la concentración cúbica pop de sus estribillos y una propensión (también vocal) escando-pop. Por eso las doce canciones que integra el álbum (que debió publicarse hace ya muchos meses), aunque no sean tan esenciales como las que recogía su epé, sí nos deja auténticas joyas como son la oemedera Skippin’ Twon y, sobre todo, la increíble The Future , la mejor de las canciones nuevas que nos regalan con este traba

Dan Auerbach y Patrick Carney o lo que es lo mismo, The Black Keys , han tenido un importante hándicap a lo largo de sus casi diez años de vida: el vivir tras la larga sombra de The White Stripes , quienes desde el lanzamiento de su tercer álbum ( White Blood Cells , 2001) vieron catapultado su caché comercial y tirón internacional como único dúo de blues-garage rock a tener en cuenta. Sin embargo, las cosas han cambiado, y aprovechando el receso de los ‘hermanos’ White, The Black Keys han lanzado Brothers , su mejor álbum hasta la fecha y, desde ya, toda una declaración de intenciones para coronarse como reyes del género, a la espera del regreso de los White. A lo largo de las quince canciones del álbum uno va notando como la dureza de beats y riffs no cesa en su crecimiento. Cada tema expira una vitalidad y frescura contagiosa. Con la ayuda en la producción de Danger Mouse (en comunión con el propio Patrick Carney ), los de Ohio se han trabajando una excelente

No hay una banda como The Avett Brothers . Este grupo de hermanos de Carolina del Norte están transformando la escena folk de Estados Unidos con su sonido único. ¿ Y a qué suenan? La respuesta es complicada aunque sus influencias son claras: cantan casi como The Everly Brothers , hacen letras casi como Bob Dylan , componen melodías casi como de The Beatles y son únicos en su especie. Con este nuevo trabajo, el primero para Sony Music, Rick Rubin (el productor encargado de transformar las carreras de Johnny Cash , Black Crowes , Red Hot Chili Peppers , entre otros…) ha sacado brillo a las melodías, les ha animado a ampliar su horizonte sonoro y les ha abierto las ventanas de la ciudad para que entre el Sol. I and Love and You es una maravilla, un disco entre pocos. Sólo hacen falta dos escuchas para que a uno le apetezca volverlo a poner. Es música fresca y de toda la vida.

The Defamation of Strickland Banks es el segundo disco del rapero británico Benjamin Paul Ballance y una vuelta de tuerca a su disco debut Who needs actions when you got words . El músico, antes llamado el Eminem británico, se ha confeccionado un traje de neo-soul a medida que puede resistir alguna crítica agresiva de los ahora decepcionados fans de su primer álbum. Sobre el cimiento de la narración de un prisionero nativo del East End londinense, condenado por un crimen que no cometió, el disco fluye con facilidad entre atmósferas de Stax y Motown sin crepitar en los oídos: ecos difuminados de Curtis Mayfield ( Writing on the wall ), Marvin Gaye ( Love goes down ), Smokey Robinson ( Traded in my cigarettes ) y tantas otras figuras. Nada nuevo. A Plan B le ha acompañado de momento el éxito en su país de origen: número 1 el álbum, dos singles en el Top 10. Puede que sea una maniobra más de carácter comercial - Amy Winehouse en masculino-, pero algunos de los palad

Jake Bowser , James Dale , Nicky Francis , Thomas Hastings , John Herbert , Dominic Keshavarz son Goldheart Assembly . Es un sexteto de Londres que se formaron en el 2007, “Wolfes & Thieves” es su primer trabajo se publica a mediados de Marzo del 2010 por el sello independiente Fierce Panda Records . Goldheart Assembly tienen un single anterior al álbum, “So Long St Christopher” (Single) . Un single con dos canciones, “So Long San Cristóbal” , “Oh Really” , fue lanzado el 15 de junio de 2009, por el sello independiente Heron Recordings. Momentos Folk, momentos Pop y Rock alternativo, música de las que nos deja marca, pegadizo, elegante, muy británicos. “Hope Hung Hight” es una de las canciones que mas nos gustan, un estribillo a prueba de balas, punteos electrizantes, ecos, susurros, una propuesta impactante en esta canción de su primer largo “Wolves & Thieves” , otra de las canciones del disco “King Of Rome” , otra obra de arte de buen Pop pegadizo de

Lo malo que tiene el hype es que impide ver los grandes discos pequeños que han sido encumbrados con los mismos ojos que si los recibiésemos nuevos, sin mancillar. Eso es lo que podría pasar factura a Album , de Girls : cinco estrellas por doquier, 9,1 en Pitchfork , muchas voces hablando de que son lo más… y llega el momento de la resaca y la reacción contraria. Diría que si nos ponemos a medir el disco debut de Chet White y Christopher Owens como si fuera lo más, seguramente nos sentiremos decepcionados. Pero lo siento, no lo pienso hacer, porque yo sólo le veo momentos de goce absolutos y unos cuantos bajones de intensidad musical que son menores, no afectan al tono general del disco y también podrían convertirse en canciones importantes en un futuro. Hablo de tono general, pero realmente Album podría pasar como el disco menos coherente del año. En ningún momento suena a LP grabado del tirón, sino más bien a colección de singles (algunos muy tremendos, como ‘ Hellhole Ratrace ‘ o

El prolífico Bradford Cox , líder de Deerhunter , no para quieto. Cuando en 2008 se sacó de la chistera ese trabajo en solitario, firmado como Atlas Sound , titulado Let the blind lead those who can see but cannot feel (4AD, 2008), al tiempo que con Deerhunter sorprendía a muchos con el alabado Microcastle (4AD, 2008) , supimos que debíamos seguir la pista a todo lo que hiciera. Logos (4AD, 2009) es un paso adelante, una confirmación. Si en su debut se notaba que había mucha experimentación “de habitación”, una mezcla de intenciones y tanteos, en Logos nos encontramos una fusión de ideas mucho más concretas, dando como resultado un proyecto más sólido. Aun así el disco es pura experimentación, pero destaca por su diversidad y frescura. Noah Lennox (Panda Bear, Animal Collective) colabora en el disco con el tema Walkabout , psicodelia pop que rebosa calidad y vanguardia. Al igual que Quick canal , homenaje al Krautrock con la colaboración, precisamente, de uno de sus máximos exponent

Ni pretende sorprender con canciones grandilocuentes ni pierde el tiempo en dar vueltas sobre sus influencias. Cuando uno escucha el corto y, a veces intenso, último álbum de Adam Green , se da cuenta de que el cantante sigue pasándoselo igual de bien grabando sus canciones que cuando ha presentado sus anteriores trabajos en directo. Composiciones de poco más de dos minutos, donde el ex Moldy Peaches sigue divirtiéndose con el indie rock que tanto le gusta y contagia sus temas de una nada indisimulada tendencia hacia el folk en sus baladas y el country suave (“ Don’t call me uncle ”) y alejado de lo sofisticado que arrastra todo lo que hace. Llano y sin florituras. En eso consisten sus canciones. Con Adam Green va a estar pasando continuamente lo mismo: hasta que llegue otro momento de gloria, sus canciones van a pasar por la comparación odiosa de ser repasadas con su obra magna de hace seis años, ese excelente “ Friends of mine ” que arrastra la memoria de esos cronistas que no ven

Grabado en Nueva York , en una antigua iglesia reconvertida en estudio llamada Dreamland con el productor e ingeniero de sonido Chris Coady ( TV on the Radio , Yeah Yeah Yeahs , Blonde Redhead …) “Teen Dream” es el tercer ábum del duo de Baltimore Beach House y su debut en el sello de Seattle Sub Pop. Este disco es el que definitivamente va a catapultar a los americanos al lugar destacado que les corresponde. “Teen Dream” da voz a todo el universo de desenfrenada imaginación y ambientes de ensueño que el dúo (trio cuando tocan en directo) lleva desarrollando desde que publicaron su debut homónimo en Carpark Recors hace algo más de 3 años. Poco a poco Beach House se han creado un nombre dentro del panorama indie más sofisticado con su pop sutil y de agradable cadencia; algunos los han querido meter ya en el carro de otros proyectos de pop luminoso y veraniego como Air Waves o Pearl Harbor . Hacer un comentario a un disco puede ser complicado o facil debido al animo o desanimo que

Pese a que siguen teniendo un gusto horroroso para elegir las portadas de sus discos, es una suerte que la música de estos tejanos no vaya en concordancia con lo que nos podría parecer a primera vista. Dejando a un lado su cara más primitiva y el sonido lo-fi de su debut o los aires más barrocos, el ambiente en general más saturado y las atmósferas cargadas de su sonada continuación, “The Trials Of Van Occupanther” , este “The Courage Of Others” sigue explorando por otros derroteros. El pop pastoral ha desaparecido del todo, la obsesión por todo lo que creó Brian Wilson también, lo único que se mantiene intacto es ese filón que les une a los trovadores de la canción de una América que en los setenta estaba trufada de este tipo de personajes. La voz de Tim Smith, el verdadero eje sobre el cual bascula el grupo, es aún más grave que antes, más profunda, con más presencia. No necesita de alardes ni de pirotecnia, su registro robusto ya viste por si sólo a las canciones. Huyen de la comp

Hace ya cuatro años que nos fascinó el pop brillante y agridulce de Girls in Hawaii . Cuatro años desde que descubrimos su peculiar sonido, en algún lugar entre la improvisación y la fragilidad, su gusto por los ambientes en contraste y su permanente invitación al ensueño. Cuatro años que esperábamos la continuación de “From Here To There” , primer álbum que embarcó a estos seis belgas en un largo periplo a través de Europa y Estados Unidos. Una vez en casa de nuevo, la banda se enfrentó a grandes cuestiones. ¿Querían realmente continuar la aventura? Y, si la experiencia les había transformado, ¿habrían perdido su ingenuidad? Y también, teniendo en cuenta su vuelta al estudio, ¿no se arriesgaban a tomar el camino más corto, cayendo en la facilidad? Y, finalmente, ¿cómo ponerse a escribir, como usar las canciones para volver a tomar contacto con la realidad tras su incesante viaje por el mundo? Estas cuestiones flotaron en el aire durante meses. Toda la agitación alrededo

Para muchos el mejor disco de La Buena Vida . Tendría que haber sido el que les lanzara a la fama (lo distribuyó Universal) pero la cosa salió fatal. ‘Pacífico’ por supuesto no alcanzó ningún éxito y ‘Desde hoy en adelante’ , más inexplicablemente, tampoco. Da igual. Encabezados por el dramático vestido de ‘Buenas cosas mal dispuestas’ , los 12 temas de ‘Soidemersol’ (nombre del restaurante Los Remedios al revés) son 12 clásicos, magistralmente orquestados y mimados, escritos con una sencillez ante la que es imposible permanecer impasible. ‘Verano’ , ‘¡Adiós, muchachos!’ o ‘Matinée’ son algunas de mis favoritas, pero el nivel es tan alto que estoy seguro de que cualquiera podría decir otras.